흔히 디자인을 생각하면서, 문자선택은 고려하지 않는 경우가 많습니다.
그러나 이런 실수를 범하면, 문자가 전체 디자인과 분리되어 어색하게 됩니다.

문자는 중요한 비주얼 요소.
공간속에서 문자는 점, 선, 사각, 텍스쳐 영역, 패턴처럼
전체 디자인에 영향을 주어, 모든 구도를 만들어 내는 열쇠가 되기도 합니다.

타이포그래피는 포맷 내에 문자를 어떻게 배치하는 가를 말하는 것만은 아닙니다.
문자에 의해 표현되는 리듬의 깊이, 질감에 대한 고려도 중요합니다.
우리는 이 성질을 ‘타이포그래피 컬러’라고 말하죠.

타이포그래피 컬러가 유채색과 다른 한 가지는
리듬 및 질감의 변화를 나타낸다는 점입니다.
타이포그래피 컬러에 변화를 주면
그러한 요소는 평면에 고정되어 사라져 버립니다.
대신 외관상의 깊이도 변화를 풍부하게 만드는 리듬 감각을 획득하게 되죠.

예를 들자면, 큰 문자 블록은 작은 문자 블록보다 전면으로 진출한 것처럼 보입니다.
색상이 엷은 글자는 깊은 곳, 즉 안쪽으로 후퇴한 것처럼 보이죠.
또 직선적인 문자열은 그 두께에 관계없이 앞쪽으로 돌출되어 버립니다.
두꺼운 문자열은 얇은 문자열보다 더욱 튀어나와 보이고요.

본문의 명도를 균일하게 만든 디자인을 볼 때 독자는 압박을 느낍니다.
문자영역이 일종의 회색 ‘벽’ 효과를 내기 때문에 보는 사람에게 위압감을 줄 수도 있고…즉 벽처럼 단조롭고 생기가 결여되어 버리는 현상이 나타나기 때문입니다.

따라서 본문의 개개 이미지와 정보는 시각적인 변화가 있어야 전달되기 쉽습니다.
이러한 이유로 타이포그래피 컬러와 구도, 메시지의 명료함은 서로 분리 될 수 없다고 할 수 있겠죠?

타이포그래피 컬러와 변화는 지면의 구도를 강화하고 활력을 부여하는 효과를 얻을 수 있습니다.

지난 시간까지 우리가 나눈 열 번의 이야기는

큰 틀에서 보면 형태와 공간의 커뮤니케이션에 관한 얘기라고 할 수 있을 겁니다.

그렇다면 형태와 공간의 이런 다양한 커뮤니케이션을 통해 얻어진 결과, 그리고 가능성은 무엇일까요?

그것은 바로 ‘의미’입니다.

어떤 의미냐구요?

우리가 얘기했던 점이니 선이니 면이니 하는 것들도

각각 서로 다른 외양을 가졌다는 점에서 각각 다른 의미를 가지고 있습니다.

사람의 뇌는 눈에 보이는 것을 이해할 때 우선 형태의 차이를 인식하고 그 차이의 중요도를 파악합니다.

다시 말해 비슷한 형상은 서로 관련이 있다고 생각한다는 뜻이죠.

만약 비슷한 형태의 집단 속에 아주 다른 이질적 형태 하나가 존재한다면

사람들은 쉽게 그것은 관련이 없는 요소라고 판단을 내립니다.

이런 의미의 형성에 절대적 영향을 미칠 수 있는 사람도 바로 디자이너입니다.

형태 집단이나 집단 내 요소들에 사소한 것부터 매우 큰 차이까지 정도를 조절할 수 있는 것이 디자이너니까요.

어떤 메시지를 전달하고 싶은지에 따라 디자이너가 취할 수 있는 방식도 달라질 수 있겠지요.

이렇게 말하니 마치 디자이너가 신적인 존재처럼 느껴지는 군요^^

하지만 이것도 틀린 말은 아닐 거에요.

적어도 형태와 공간 사이에서만큼은 디자이너가 그런 존재임에 틀림없을 테니까요.

이런 형태와 공간 간의 상호작용을 능숙하게 조절하고

본인이 표현하고자 하는 내용, 메시지를 효과적으로 형성할 수 있다면,

디자이너로서는 최상의 능력을 가진 것일 겁니다.

그렇게 되기 위해 무엇을 해야 할까요?

이렇게 근본적인 내용들을 하나하나 차근히 공부해나가야 하겠지요.

그런 의미에서, 다음 시간에 우리 또 만나기로 합시다^^

이번 봄부터 우리는 공간과 형태의 관계에 대해 이야기를 나누기 시작했습니다.

공간 속에서 어떤 형태가 모습을 드러내기 시작하면 공간은 비로소 나름의 ‘의미’를 갖게 됩니다.

마치 김춘수 시인의 ‘꽃’을 생각하게 하네요. ‘내가 그의 이름을 불러주었을 때, 그는 나에게로 와서 꽃이 되었다’

그저 존재하고만 있던 공간 속에 형태가 하나 둘씩 들어가게 되면 無의 상태는 깨어지고,

다시 새로운 공간으로 배치되며 의미를 갖게 되지요.

이런 공간의 형태와 크기, 비율 등이

공간 속에 존재하게 된 형태와 공간의 관계에 대해 분명한 메시지를 전달하게 될 경우,

우리는 그것을 좋은 구성으로 생각하게 됩니다.

구성에 대한 얘기가 나왔으니 조금 더 얘기를 해볼까요.

우리가 주로 다루고 있는 시각디자인의 영역은 주로 2차원의 공간에서 이루어지는데요.

이런 평면에서도 형태가 정적으로 느껴지는 경우와 동적으로 느껴지는 경우가 분명 나뉘지요.

형태와 형태 사이에 존재하는 공간의 비율을 균일하지 않게 최대한 많이 바꾸게 되면

2차원에서도 충분히 동적인 느낌을 줄 수 있게 되는 것입니다.

그러니 형태를 효과적으로 구성하려면 일종의 전략이 필요한 것이겠죠.

이런 전략은 상하좌우 등 위치의 문제, 전경과 후경 등 깊이감의 문제,

형태를 겹쳐 놓거나 기울여 배치하거나 간격의 변화를 주는 것 같은 운동감의 문제 등

다양한 각도에서 접근하고 시도해볼 수 있습니다.

디자이너는 이렇게 모든 상황을 자유자재로 가지고 놀며 조율하고,

최적의 결과를 이끌어 내야 하는 사람인 거죠^^

제가 거의 늘 다음 시간 예고를 해드렸던 것 같은데, 오늘은 예외로 하겠습니다.

자, 다음 시간엔 또 어떤 디자인 얘기를 해볼까요? 기대해주세요.

6월의 둘째날이 된 오늘은 비가 부슬부슬 내리면서 더위가 한풀 꺾인 듯하네요.

그래도 이미 여름 느낌이긴 합니다^^;

지난 시간에 우리는 형태와 공간의 관계 속에 한 발을 쑤욱~ 담가보았습니다.

그럼 오늘은 나머지 한 발도 넣어볼까요?

조금 복잡하게 느껴지기도 하지만, 일단 이 형태와 공간의 세계 속에 발을 잘 내려딛고 나면

디자인에 대한 이해가 좀더 쉬워진답니다.

그도 그럴 것이, 모든 디자인은 ‘어떤 공간 위에서 어떤 형태를 갖추면서’ 시작되는 것이니까요.

형태와 공간.

우선 형태가 아닌 부분은 모두 공간입니다.

아주 단순하게 정의해버리면 ‘형태의 반대는 공간’, 이렇게 생각할 수도 있는 거죠.

그러면서 형태와 공간은 동시에 존재하는 거고 말이지요.

지난 시간에 언급한 것처럼 형태와 공간은 그것을 바라보는 사람의 시각적 활동까지 조절합니다

(세로 인화지, 가로 인화지 기억나시죠?^^).

지난번에는 편의상 2차원적인 평면 공간 위주로 설명을 드렸지만, 시각 활동은 3차원적으로도 이루어지지요.

입체적인 공간 지각 말입니다.

공간과 형태의 관계가 시각 활동과 인식에 영향을 미친다면, 디자이너는 형태를 공간에 배치할 때

나름의 논리를 세우고 구성을 해서 자신이 전하려는 메시지가 잘 전달될 수 있게 애써야겠지요.

이런 구성을 효과적으로 뽑아내는 감각이 디자이너의 가장 기본적인 감각이라고 보아도 과언이 아닙니다.

우리가 쭉 얘기 나눠왔던 것처럼, 이 감각이 우리의 디자인을 보는 사람들의 두뇌 인지활동까지 조절할 수 있는 힘이 되어주니까요.

‘내가 만든 디자인을, 내가 전달하고 싶은 의미 그대로,

사람들이 인식할 수 있게 한다.’

이거야말로 모든 디자이너의 꿈이 아닐까요?^^

이야기의 범위가 점점 넓어지고 있으니,

다음 시간에는 조금 더 실제적이고 소박한 범위에서 이야기를 해보겠습니다.

더 늦기 전에, 그동안 잠시 접어두었던 디자인 이야기들을 함께 나눠볼까 합니다.

이곳에 찾아오시는 분들은 디자인에 대해서 늘 꿈꾸고 고민하고 계신 분들일 거라 생각하는데요.

저희도 그렇습니다.

매일 하는 일이지만, 그렇기 때문에 더 많은 고민을 하게 되고 더욱 새로운 꿈을 꾸게 된달까요?

그렇다면 우리, 오늘부터 당장 한번 이야기를 시작해보도록 하죠.^^

그래픽 디자인에서 가장 중요한 점은 무엇일까요?

바로 ‘형태’를 표현하는 문제입니다.

그래픽 디자인이라는 말이 언뜻 거창하게 들릴지 모르지만,

결국 그래픽 디자인은 ‘눈으로 볼 수 있는 디자인 요소들을 가지고 체계적으로 구성해

말하고자 하는 바를 가장 효과적으로 드러내는 것’을 의미하니까요.

디자인 요소의 가장 기본이 되는 것은 여러 가지 형태,

즉 선, 양감, 질감, 문자, 이미지인데

이런 형태를 선택하고 구성할 때는 신중할 필요가 있습니다.

모든 형태는 그 안에 나름의 의미를 내포하고 있기 때문입니다.

좀 더 쉽게 생각해볼까요?

우리의 뇌는 눈앞에 보이는 어떤 것의 형태를 관찰하고 그게 무엇인지 인식해내게 됩니다.

결국 ‘형태 자체가 메시지’라는 얘깁니다.

예를 들어 원의 형태를 보면서 뇌는 그것의 실체를 알아내고자 노력합니다.

구슬, 해, 물방울, 동전…

정확한 메시지를 파악할 수 있으려면

적확한 형태가 아니면 안 될 것입니다.

여기에서 조금 더 나아간다면 디자인의 완성도에 대해 생각해 볼 수 있겠지요.

적확한 형태이면서 가능한 한 더 아름답게 보이는 디자인 말입니다.

수많은 디자인 요소들이 있지만 제대로 구성하지 않고 마구잡이로 늘어놓는다면

그것은 디자인이 아니라 공해라고 해도 무방할 겁니다.그래픽 디자인,

좀 과격한 이야기인가요?^^

그만큼 디자인 요소의 적절한 조합, 그것이 이뤄내는 형태가 중요하다는 거죠.

서로 상관없어 보이는 디자인 요소들도 어떤 목적에 맞게 구성되고

관련을 맺어 형태를 이루면 그것이 곧 설득력을 가진 아름다운 디자인으로 완성되게 된답니다.

오늘은 이쯤 이야기 나누기로 하고요.

다음 만남에서는 형태와 숙명적인 관계를 갖는 공간에 대해 얘기 나눠볼까 합니다.

안녕하세요, PWK 입니다.

디자인 규칙 세번째는 <하나의 시각 언어로 말할 것> 입니다.

이것은 통일성에 관한 이야기인데요, 하나의 디자인은 하나의 소리를 내야합니다.

가령, 책을 디자인 했는데 표지는 잡지 같고 내지는 시집 같다면 독자들이 혼란스럽겠죠.

또는 전체 디자인은 심플한데 로고는 클래식하고 화려하다면 이 역시 뭔가 어색할 것입니다.

디자인을 보는 시야를 넓혔다가 좁혔다가 하면서, 큰 그림도 보고 가장 작은 세부사항들까지 훑어보아야 합니다.

개별의 것들이 다른 모든 것과 조화롭게 연결되는지 확인해보는 것이지요.

한 가지 요소라도 조화에서 벗어난다면 연결고리는 무너지고 그와 함께 전하려는 메세지도 약해집니다.

반대로 모든 디자인 요소가 하나의 소리를 낸다면 강한 메세지를 전할 수 있습니다.

발렌타인 데이인데 데이트 약속 있으신가요?

사랑하는 사람에게 마음을 전하는 행복한 하루되시길 바랍니다. ^^ ]]> http://pwkdesign.com/?feed=rss2&p=390 0 http://pwkdesign.com/?p=378 http://pwkdesign.com/?p=378#comments Mon, 10 Dec 2012 01:00:22 +0000 http://pwkdesign.com/?p=378

PWK 디자인입니다.

한 주 잘 시작하셨어요?

지난주에는 눈이 아주 제대로 왔어요.

눈이 오면 마냥 신나던 것도 옛일, 가벼운 한숨부터 나오는 재미없는 어른이 되어 있더군요.

그리고 나서 맹추위.. 출근길이 너무 춥더라고요.

오늘은 지난번에 예고했던대로 디자인의 역사에 대해, 그리고 덧붙여서 광고에 대해 살짝 이야기해보려 해요.

산업으로서 디자인이라는 분야가 탄생한 것은 1700년대 말에서 1800년대 초였습니다.

세계사를 살펴보면 인류 역사의 흐름과 밀접한 관계가 있는데요.

18세기 말에서 19세기 초, 인류에게 아주 큰 사건이 있었는데 어떤 것인지 기억하시나요?

바로 제2의 물결, 산업혁명이 유럽에서 시작되었습니다.

산업혁명으로 대량생산이 가능해지고 가격이 저렴해졌으며 상업 또한 활발해졌지요.

산업혁명과 함께 노동자 계급이 탄생했고 노동력을 이용해 돈을 벌고 물건을 사기 시작했습니다.

주로 자급자족을 통해 의식주를 해결하던 경제형태에서 서로의 물건을 사고 파는 경제형태로 바뀌게 되었습니다.

또 자신의 물건 즉 상품을 남의 것보다 더 많이 팔기 위한 경쟁이 시작었고요.

상품을 사고 파는 이 때 바로 산업으로서의 디자인 분야가 탄생하게 된 것입니다.

자본주의 사회에서 경쟁의 수단과 도구로서 중요한 역할을 하게 되었던 것이지요.

그래서 디자인과 광고는 무척 밀접한 관련이 있고 굳이 정의하자면 사촌지간 쯤이 되겠네요.

그래픽 디자인과 광고의 공통점은 대중에게 정보를 제공하기 위한 특정 목표가 있다는 것입니다.

상품, 서비스, 이벤트, 아이디어 등에 대한 정보를 말입니다.

그렇다면 그래픽 디자인과 광고의 차이점은 무엇일까요?

광고는 주로 소비자가 돈을 쓰도록 하는 것을 주목적으로 정보를 제공합니다.

(물론 공익 광고나 캠페인성 광고 등은 다르지만요.)

반면 그래픽 디자인은 전달하고자 하는 메세지를 명확히 하는 방법과 결과를 모색하는 행위 자체를 말합니다.

지난번에 이야기했던 그래픽 디자인이란 무엇인가와도 겹치는 내용인데요, 

메세지를 시각적으로 완성해내는 모든 행위라는 점에서 단어를 정의하는 방향부터 광고와는 차이가 있겠군요.

그래픽 디자인은 상품과 서비스 등을 판매하도록 돕는 도구로서 광고에 의해 사용되지만 

메세지를 전달하기 위한 행위를 결정하는 것은 그래픽 디자인이다.. 라고 할 수 있습니다.

쉬운 내용을 어렵게 쓴 거 같아서 민망함이 몰려옵니다.

다음엔 디자인의 법칙에 대한 글을 올릴 예정입니다.

이번 주말엔 그래도 추위가 약간 풀린다고 하네요.

참, 그래도 다행히 아직 크리스마스는 설레는 어른이랍니다.

안녕하세요.

PWK 디자인 입니다.

앞으로 저는 ‘디자인의 요소’라는 주제로 글을 써보려 합니다.

디자인의 법칙, 형태와 공간의 배치, 색의 구성, 타이포그라피, 요소들의 조합 등에 대한 이야기가 되겠지요.

조금씩 이어지는 글이 감질날 수도 있겠는데요, 그만큼 자주 들러주시길 바라는 마음입니다!

요소에 대한 이야기에 앞서 그래픽 디자인이 무엇인지 그 개념부터 정리해 보는 게 좋을 것 같습니다.

그래픽 디자인이란 ‘어떤 아이디어를 시각적인 형태로 만드는 모든 행위’를 말합니다.

또한 만들어내는 것에서 끝나는 것이 아니라 다른 사람들이 이해할 수 있도록 하는 것까지가 그래픽 디자인이라 할 수 있습니다.

그래픽 디자이너는 이미지, 심볼, 타이포, 색, 물체 등을 이용해서 인쇄물, 컴퓨터 그래픽, 영상물 등의 다양한 결과물을 만들어 냅니다.

그런 결과물을 만들어 내는 이유는 위에서 이야기한 것처럼 어떤 아이디어를 시각적으로 보여주기 위함입니다.

그리고 다른 사람들에게 특정 메세지를 시각적으로 전달하기 위해서입니다.

그런 의미에서 그래픽 디자이너는 커뮤니케이터, 즉 소통자라고 할 수 있지요.

그래서 어떤 디자이너들은 자신을 비주얼 커뮤니케이터라고 칭하기도 하더군요.

또한 영화인, 애니메이터, 광고인, 출판 편집인, 포토그래퍼 등도 그래픽 디자이너와 밀접한 관계가 있습니다.

넓은 의미에서는 그래픽 디자이너의 범주에 넣을 수도 있고요.

다음 글에서는 그래픽 디자인의 역사에 대해 간단히 알아보도록 하겠습니다.